Жизнь - театр

456 подписчиков

Последние комментарии

  • Татьяна Толстова15 сентября, 0:24
    Род-то так себе... " -  Кто ж против этого. Боярин чист.  Корить его не станем. По заслугам И честь ему мы воздаем, н...История настоящего создателя царской династии Романовых
  • Татьяна Толстова14 сентября, 23:46
    Про храмы я тоже слышала.Рассказы о животных 10
  • Светлана Митленко14 сентября, 23:24
    А ведь забывают!Известные и малоизвестные факты о Великой Отечественной войне

Тайное в музыке

Тайны воздействия музыки на человека, на окружающий мир не перестают волновать людей неравнодушных, осознанно относящихся к жизни, подаренной нам Богом, и стремящихся наполнить эту жизнь Божественным звучанием.

Влияние музыки на сознание народов

Кириллу Скотту (1879 – 1970), выдающемуся английскому пианисту и композитору, принадлежит труд «Музыка и ее тайное влияние в течение веков», где раскрывается новое значение музыки, как влияющей на сознание народов.

К. Скотт утверждает, что каждый специальный род музыки имеет ярко выраженное влияние на историю, мораль и культуру человечества. До сих пор считалось, что каждый род музыки рождается из среды присущей ей культурной эпохи. Скотт перевернул все вверх дном, утверждая, что, наоборот, культурные эпохи были созданы музыкой.

Еще древнегреческий философ Платон писал: «Музыкальное воспитание – более действенное средство, чем все другие, потому что ритм и гармония находят свой путь в глубину души... Нужно избегать введения нового рода музыки – это подвергает опасности все государство, так как изменение музыкального стиля всегда сопровождается влиянием на важнейшие политические области».

Аристотель тоже утверждал, что музыка обладает силой формировать характер и что человек при помощи музыки может приучить себя развивать правильные чувства.

Мы предлагаем вашему вниманию краткий обзор некоторых глав из книги Кирилла Скотта «Музыка и ее тайное влияние в течение веков». В них автор описывает влияние музыки на развитие древних цивилизаций Индии, Египта, Греции и Рима, рассматривает, как западноевропейская музыка влияла на формирование культуры в Европе, показывает истоки современной музыки и описывает музыку будущего.

Музыка первых цивилизаций

Именно музыка определила основные черты характера, присущие представителям древних цивилизаций – индусов, египтян, греков, римлян. Она же являлась причиной заката этих великих народов. На примере этих народов можно проследить переход от тонкоматериального (четверти тона индийской музыки) к менее тонкой египетской музыке (треть тона) и грубоматериальной греческой музыке (полутон), зародившей традиции западноевропейской музыки.

Индийская музыка – четверть тона – созерцательное
состояние сознания и утончающее воздействие на дух

Индийская музыка использует шаги в четверть тона, для нее характерна не звучность, но утонченность, и как для ее преимуществ, так и для ее ограничений есть основательные причины.

В основе индийской музыки лежат мантры – священный гимны, требующие точного воспроизведения звуков, его составляющих. Эти мантры передавались индийскими священниками в течение столетий и были полностью связаны с религиозными традициями.

Индийские священники не пытались развивать музыку как художественную форму, а стремились только усилить ее мантрическое значение, которое предрасполагало к созерцанию. Утонченность четверти тона способствовала погружению сознания в созерцательное состояние и оказывала утончающее воздействие на дух.

Обнаружив, что определенные звуковые сочетания вызывают глубокую медитацию, священники экспериментировали с ними и утончали их до тех пор, пока не достигли Самадхи, или сверхсознательного состояния сознания. И хотя они в этом состоянии сознания слышали «музыку созерцания», они не принимали никаких попыток выразить это в земном зву­ке, довольствуясь тем, что она своей силой поддерживала их медитацию, оставаясь вспомогательным средством для достижения объ­единения с божественным.

Поскольку в индийской музыке отсутствовали разнообразие, энергия и эмоциональная выразительность, присущая западноевропейской музыке, постольку индийцы, как раса, остались односторонне развиты, имея созерцательный, но не активный склад характера. Немногих из них можно причислить к людям дела (исключая ка­сту воинов). Большинство же индийцев мечтательны, медитативно-задум­чивы и чрезмерно преданы духовно-спиритуальным вещам.

Особенные качества индийской музыки определяют характерную историю индийского народа, который очень много страдал от отсутствия определенных качеств. В тоже время только созерцательный образ существования их предков мог оставить после себя миру такие единственные в своем роде философские системы.

Музыка Египтян – треть тона – успокоение эмоционального
тела и очищение от грубоматериальных вибраций

Египетская музыка характеризовалась третью тона, и поэтому она была на интервал менее утончена, чем индийская музыка, что привело к ее воздействию не на дух, а на эмоции, так как тело чувств менее тонкоматериально, чем ментальное тело.

Утонченный дух становится инструментом мудрости, но только лишь тогда, когда ему не препятствуют грубые эмоции. Они сказываются враждебно на знании и распознавании, если находятся в возбужденном состоянии. С другой стороны, если они спокойны и управляемы, способности разума полностью сохраняются, являя здравый ум и ясность мысли.

Именно этого состояния и достигали египтяне своей третью тона, тем они способствовали успокоению эмоционального тела и очищению его от гру­боматериальных вибраций, а также приводили при опреде­ленных обстоятельствах к тому, чтобы вызвать эмоциональный вид сос­тояния транса.

В Египте эти школы назывались «мистериями». В одной из их важнейших церемоний кандидат погружался с помощью музыки и других ритуалов в состояние транса, из которых возвращался со знанием состояний бытия после смерти, так как треть тона приводила к отделению астрального тела от физического, что вызы­вало «астральный транс». В этом состоянии, через действительное переживание, он узнавал о своем бессмертии, посещал не только более высокие планы бытия, но и самые ужасные.

Падение Египта последовало не на основании факторов, которыми обладала египетская музыка, но на основании того, что в ней отсутствовало. Так же, как культура Индии пошла в конце концов к закату, хотя она и обладала духовной мудростью, но она не обладала жизненно-практическим знанием, так и Египет пришел к закату, поскольку располагал знанием практики жизни, но не обладал духовной мудростью. Знание дает силу, а сила слишком часто порождает склонность или любовь к силе, а это – последний шаг к желанию обладать персональной силой, что неизбежно приводит к эгоизму, корыстолюбию и разъединению.

В египетской музыке полностью отсутствовал аспект, пробуждающий мудрость, а ее гармонический, или божественный, аспект был слишком ограничен, чтобы быть постоянно действующим. Египтяне стали злоупотреблять своими оккультными знаниями, куда проникли эгоизм и корысть. Одновременно с их нравственно-моральным упадком пришла в упадок и музыка, постепенно потеряв свою маленькую долю божественной гармонии.

Греция – полутон – воздействие на физическое (материальное)

В Греции полутон проявил себя в воздействии на материальное или физически-тонкое. Греция была первой европейской страной, приведшей музыку в состояние относительного совершенства: она стала искусством, а в определенном смысле даже наукой. Отсюда Греция стала известной своими сведущими музыкантами, и так как все люди там изучали музыку, то те, кто не был в этом сведущ, считались необразованными и несовершенными.

Утверждая о преобладающем воздействии полутона на физическое, мы должны понимать, что существуют также его непрямые воздействия на эмоциональное или духовное. Точно так же, как покорение духа было самой выдающейся чертой в великие времена древнеиндийской культуры, так и преодоление материи стало самым сильно выраженным признаком европей­ской культуры.

Физическое играло существенную роль в греческой культуре. Художник или скульптор имели единственную цель: изобразить телесное совершенство. Все греческие искусства, полностью «выдуманные», были продуктом лишь трезвого и бесстрастного рассудка. О греческой живописи и скульптуре можно утверждать, что они были не только похожи, но, даже реалистичнее, чем сама природа.


Материалистические представления греков распространились также на их религию. Боги были только грандиозно превознесенные человеческие существа, со всеми их страстями, и отношения между этими богами и человеком были едва лучше, чем отношения между человеком и человеком. Боги всегда имели эфирный образ, сходный с человеческим, статуи богов были просто изображениями высшего телесного совершенства, а не символичны, как произведения Индии. Было немыслимо, чтобы боги прощали человека лишь на основании молитв. Человек должен был приносить им жертвы, предложить дары, всячески угождать.

Так же, как индус был полностью настроен на мечтательную созерцательность, так у грека, прежде всего, были активная деятель­ность, атлетическое возбуждение, спортивные игры, соревнования и героические дела – прославление тела.

Египтяне упали через свою любовь к власти, а греки – через чрезмерную любовь к физической красоте. Как в египетской, так и в греческой музыке отсутствовал гармонический аспект, т.е. аспект религиозной преданности был развит недостаточно для того, чтобы установить равновесие. Если бы равновесие присутствовало, то многое бы из греческой любви к телесной красоте было направлено в более высокий канал любви духовной красоты; но первый канал для этого был слишком скуден и груб: даже то малое, что имелось ранее, повернуло вспять, а с этим исчезла и гармония из греческой музыки, как ранее и из египетской.

Следует учесть и другие изменения: более чувственные виолы заняли место мелодий для более звучных инструментов, и музыкальный вкус стал слабым и изнеженным. На место настоящих художников пришло все возрастающее число чистых виртуозов, что всегда следует рассматривать как первый шаг к деградации в развитии музыки.

С такими ниспровергающими изменениями в музыке стало проявляться ослабление в характере греков. Их мораль и дух борьбы ослабли, их военные действия не были более успешными. Они допустили, чтобы другие нации вмешивались в их дела. Наконец, они потеряли свой патриотизм и свою любовь к независимости, а с этим утрачены были их подъем и благополучие.

Римляне и их музыка

Римляне стали в истории самым практично настроенным народом: народом жажды деятельности, но не богатства идей и силы воображения. Они восхищались мужественностью, самоограничением, серьезным поведением, прилежанием, и естественным следствием этих черт стало право и порядок. Понятие утонченности им было не свойственно; их искусство было реалис­тичным, архитектура – монументальной, их позиция в отношении религии – не духовной, а материальной.

В Риме было мало музыки. Но существовало музыкальное направление, которое использовалось римлянами из одних только побуждений необходимости – военная музыка, способствовавшая тому, чтобы поставлять хороших солдат.

Военная музыка наполняла тело энергией и способствовала мужской силе. Это – составные части того, что римляне называли «Virtus» (виртуозность), которая, наконец, приобретала значение мужественности и доблести. Такого рода музыка влияла на физическое, и отсутствие в ней более мягких аспектов не позволило возникнуть любви к телесной красоте, как понимали ее греки, эта музыка не вызывала тех эмоций, которые будят силу воображения. В то время как греки, глядя на красивое тело, восхищались сильным и красивым телом, римляне восхищались им лишь потому, что считали его полезным. Одна точка зрения – эстетическая, другая – практическая, основой же обоих положений было физическое, но углы зрения, под которыми это рассматривалось, были очень разные.

С течением времени, военная музыка, если ей не будут противопоставлены никакие утончающие влияния, будет оказывать вредное воздействие на характер: мужественность может выродиться в стремление к власти, мужество – в жестокость, а сексуальная мужская сила – в чувственность, это как раз и произошло у римлян. Революция 133 года до Р.X. –первый результат воздействия упомянутых плохих качеств. Она была следствием «антагонизма между немногими владеющими властью и многими, считающими, что они имеют тоже на это право.

Что касается второго из перечисленных зол (жестокость), то оно вылилось в вызывающую ужас форму гладиаторских игр. Эти бои в более поздние времена стали неотъемлемой частью римского общества, и оправдывались они тем, «что поднимают военный дух зрелищем отважной смерти». История показала, что они были ответственны за упадок Рима. Эти игры усиливали бесчеловечность и грубость, а их притягательная сила была так велика, что все профессиональные обязанности, в том числе и служебные, которые поддерживали существование государства, были заброшены.

Но если жестокость способствовала разрушению нации, то чувственность – третий порок из упомянутых нами – оказался также разрушительным. Сладострастие и сопровождающее его распутство часто вызывали трусость, так как имели ослабляющее воздействие на тело и нервы.

Названные предыдущие феномены были следствием воздействия военной музыки, что совершенно противоположно тому, что было нужно. История дегенерировавших и опустившихся игроков на китаре и флейте – темная глава в музыкальной истории Рима. Государство же распорядилось вычеркнуть из учебного плана римской воспитательной системы музыку вообще. Последовавший позднее распад Западной римской империи в V в н. э. поставил точку в существовании этого мощного государства.

Тайны музыки

Музыка – это сила, которую можно употребить, как во благо, так и во зло. С давних пор известно, что музыка является фактором, задающим направление развитию цивилизации. Древнегреческий философ Аристотель (384-322 до н.э.) говорил:

«Всегда нужно остерегаться введения нового типа музыки, как возможной опасности для всего государства, так как изменение стиля музыки сказывается на важнейших аспектах политического уклада».

Музыка – это энергия, вибрация, имеющая звуковую частоту. Звуковые волны могут быть полны гармонии, либо диссонанса.

Рассмотрим, как на нас влияют основные составляющие музыки: ритм, мелодия, гармония и тембр.

РИТМ оказывает наиболее сильное и прямое воздействие на человека – и на его тело, и на его эмоции. Жизнь нашего организма основана на различных ритмах: дыхания, сердца, работы мозга, различных движений, активности и отдыха, не говоря уже о более тонких ритмах на уровне клеток и молекул.

МЕЛОДИЯ воздействует на слушателя особенно интенсивно и многообразно. Мелодия пробуждает не только эмоции, но и ощущения, образы и убеждения, сильно влияет практически на все жизненные функции, в особенности на нервную систему, дыхание и кровообращение.

ГАРМОНИЯ производится одновременным звучанием нескольких звуков, гармонирующих друг с другом, которые формируют аккорды. Благодаря различным вибрациям, излучающимся этими аккордами, в душе слушателей возникает либо чувство гармонии, либо диссонанса, что в любом случае оказывает определённое физиологическое и психологическое воздействие. Преобладание диссонансов в современной музыке является выражением разлада, конфликтов, кризисов, которые приносят страдания современному человеку.

ТЕМБР. Каждый, кто обладает музыкальным слухом, по-разному чувствует очарование скрипки или флейты, арфы или сопрано. Композитор, искусно сочетая различные инструменты в оркестре, может довести до исступления огромную аудиторию.

«Если вы хотите раскрыть секреты Вселенной,

думайте категориями энергий, частот и вибраций»

Никола Тесла

Как известно, в основе музыкального строя лежит частота. Наука киматика, изучающая визуализацию звука и вибрации, доказывает, что частота и вибрация являются мастер-ключами и организационной основой для создания всей материи и жизни на этой планете. А на какой частоте должны быть настроены музыкальные инструменты для правильного, гармоничного воздействия музыки?

В музыкальной истории для настройки музыкальных инструментов всегда использовалась нота «ля» частотой 432 герца. Обнаруженные древние египетские инструменты были настроены на 432 Гц. Строй 432 Гц существовал в античности, начиная от Платона, Гиппократа, Аристотеля, Пифагора и других великих мыслителей и философов, которые, как известно, обладали бесценными знаниями о целебном воздействии музыки на человека и вылечивали многих людей именно силой музыки. Величайший скрипичный мастер всех времен Антонио Страдивари (1644-1737) создавал свои шедевры именно в настройке 432 герц.

Т.Альбинони «Адажио» (на частоте 432 Гц)

Первая попытка массово изменить частоту музыкальной волны произошла в 1884 году, но усилиями Джузеппе Верди (1813-1901) – великого итальянского композитора, удалось сохранить прежний строй. После этого настройку «ля» равную 432 герц стали именовать «Вердиевским строем».

В 1953 Международная Организация по Стандартизации (ISO) приняла строй «Ля» = 440 Гц, как основной концертный. После принятия этого стандарта 23 тысячи музыкантов из Франции провели референдум в поддержку «Вердиевского строя» 432 герц, но были вежливо проигнорированы. И вот уже более 60 лет стандартный камертон издает звук «ля» первой октавы частотой 440 Гц.

Откуда же и когда появилась нота «ля» частотой 440 герц?

После смерти Верди в 1910 году Дж. К. Диген, служащий ВМС США, ученик физика Г. Гельмгольца, убедил американскую Федерацию Музыкантов принять 440 герц, как стандартный универсальный строй для оркестров и музыкальных групп. Диген был профессионалом в области теории света и звука, его мнение являлось основополагающим при изучении музыкальной акустики. Он спроектировал военный перезвон на 440 герц, который использовался для пропагандистских новостей во время Второй мировой войны. Да, перед войной понадобилась иная музыка – музыка, которая будет внушать воевать, музыка, которая будет указывать, что делать, что потреблять и так далее. Несмотря на протест многих музыкантов, их буквально заставили играть музыку на частоте 440 герц.

Также незадолго до Второй мировой войны, в 1936 году, министр нацистского движения и тайный лидер в управлении массами Й. Геббельс пересмотрел в Германии стандарт настройки музыкальных инструментов на 440 герц – частоту, которая сильнее всего воздействует на мозг человека, и может быть использована для управления сознанием большого количества людей и пропаганды нацизма.

Эффект воздействия частоты 440 герц объясняется тем, что, если лишить человеческий организм естественной настройки 432 Гц и поднять натуральный тон немного выше, то мозг будет регулярно получать раздражение. Кроме того люди перестанут развиваться, появится множество психических отклонений, человек начнёт закрываться в себе, им станет гораздо легче управлять. Строй 440 герц – это ментальный уровень, уровень эго, контроля, страха и власти. При частоте звука 440 герц происходит раздражение определённых областей мозга, «удобных» для закладки различных программ, а частоты от 430 до 435 герц позволяют спокойно и обдуманно воспринимать информацию в правильном порядке.

«Музыка — величайшая сила. Она может заставить

человека любить и ненавидеть, прощать и убивать»

Пифагор

Частота 432 Гц имеет совершенный гармонический баланс, это единственная частота, которая вызывает Пифагорейскую музыкальную спираль.

Известно открытие Пифагора в области теории музыки. Суть его в том, что сочетание звуков, издаваемых струнами, наиболее благозвучно, если длины струн музыкального инструмента находятся в правильном численном отношении друг к другу. Приятные слуху созвучия получаются лишь в том случае, когда длинны струн, издающих эти звуки, относятся как целые числа первой четверки: 1:2; 2:3; 3:4. Таким образом Пифагор связал основные музыкальные интервалы с дробями.

Пифагорейцы открыли «золотую пропорцию» – «точку золотого сечения», которая определяет в музыке точное место кульминации. Эта пропорция была названа Пифагором Божественной, ибо она выражает сокровенные глубинные соответствия, присущие эволюции Космоса. Спираль, построенная Пифагором, есть символ движения, развития и развёртывания Вселенной, которая содержит в себе знаменитый и неразгаданный Код Платона. Недавно американский математик и историк науки Джей Кеннеди, который работает в Манчестерском университете в Великобритании, объявил, что ему удалось расшифровать тайный Код Платона, скрытый в произведениях древнегреческого философа. Как утверждает учёный, Платон разделял пифагорейские представления о музыке сфер – неслышной музыкальной гармонии мироздания – и свои произведения строил по законам музыкальной гармонии. «Один из самых знаменитых платоновских диалогов «Государство» разделён на двенадцать частей, по числу звуков в хроматической музыкальной гамме, представления о которой были у древних греков. Причём, на каждый стык приходятся фразы, так или иначе относящиеся к музыке или звукам»,– заявил исследователь.

А что собой представляют древние частоты сольфеджио? Это оригинальные звуковые частоты, используемые в древних григорианских песнопениях, например, таких как великий Гимн Св. Иоанну Крестителю.

Гвидо, Гимн Св. Иоанну Крестителю

Большинство из тех частот, как утверждали церковные власти, были потеряны много веков назад. Эти мощные частоты были обнаружены доктором Джозефом Пулео, который изучал древние манускрипты Григорианских монахов и обнаружил, что их Песнопения являлись могущественными целителями именно благодаря специальной аранжировке шести тонов сольфеджио. Вот они:

«До» 396 Гц – освобождение от чувства вины и страха;

«Ре» 417 Гц – нейтрализация ситуаций и содействие изменениям;

«Ми» 528 Гц – трансформация и чудеса (восстановление ДНК);

«Фа» 639 Гц – подключение и отношения;

«Соль» 741 Гц – пробуждение интуиции;

«Ля» 852 Гц – возвращение к духовному порядку.

При этом частота 432 Гц в древнем сольфеджио получается интересным образом: 24 часа х 60 минут х 60 секунд = 864.000; 864:2=432.

Музыкальная частота выполняет роль носителя, который возбуждает и выбирает определённые зоны восприятия, остальное воздействие происходит на совершенно других частотных диапазонах (октавах). Происходит также наложение индивидуальности автора и исполнителя.

Музыку стоит рассматривать гораздо шире, чем просто звук, слушать и использовать с умом. Многие из нас хотят повысить собственные вибрации, чтобы быть способными открыться новым энергиям мира, добра, любви, изобилия. И важным шагом к этому является осознание того, какую музыку мы слушаем, и какое воздействие она оказывает на наш организм. При выборе музыкальных произведений желательно отслеживать собственную реакцию и развивать наблюдательность. И даже, если всё описанное выше не побудило выбирать музыку, написанную на частоте 432 Гц, то, по крайней мере, можно более избирательно относиться к музыке и обращать внимание на свои реакции в виде чувств, эмоций и мыслей, возникающих в момент звучания мелодии.

Музыка - неисчерпаемый в своих загадках художественный мир, наполненный знаками, неуловимо-уникальными смыслами и символами. Одна из таких загадок - музыкальная монограмма - последовательность музыкальных нот, которая может служить для обозначения скрытого сообщения, как правило, с помощью установленного соответствия между нотами и буквами.

Наиболее распространёнными и известными примерами являются произведения композиторов, в которых они использовали свои собственные зашифрованные имена или имена своих друзей в качестве тем или мотивов.

Составление музыкальных монограмм было популярным уже в XVI веке. Считается, что этот метод был впервые использован Жоскеном Депре в его мессе «Hercules Dux Ferrariae». Теоретик музыки Джозеффо Царлино назвал этот метод Soggetto cavato. При этом способе шифрования гласным буквам в тексте ставятся в соответствие слоговые названия ступеней звукоряда (ut, re, mi, fa, sol, la) Гвидо д’Ареццо (нота до называлась ut). Таким образом, имя адресата «Hercules Dux Ferrarie» («Геркулес, герцог Феррарский», посвящена патрону Жоскена Эрколе д’Эсте) превращается в re-ut-re-ut-re-fa-mi-re, что в современной музыкальной нотации записывается как D-C-D-C-D-F-E-D.

Есть у Жоскена Депре и месса под названием «La sol fa re mi», где в основу композиции положена одна настойчиво повторяющаяся фраза. По словам Генриха Глареана, швейцарского ученого и теоретика музыки, этой фразой Жоскен зашифровал свой ответ неизвестному высокому покровителю — «laisse faire moy» (не мешай мне!).

В немецкой системе обозначений, ноты от до до си обозначаются буквами латинского алфавита C, D, E, F, G, A, H. В этой системе си-бемоль обозначается как B, си-бекар — H. Самый известный пример такой монограммы — мотив B-A-C-H, который был использован Иоганном Себастьяном Бахом, а также его современниками и более поздними композиторами. Бах понимал, что его имя может быть записано на нотном стане, и неоднократно использовал этот факт в своих произведениях. Самым известным из примеров стал незаконченный цикл Искусство фуги, в котором последний Contrapunctus — сложнейшая тройная фуга — заканчивается вскоре после введения третьей темы — BACH. В рукописи содержится сообщение сына композитора, Карла Филиппа Эмануэля Баха, который утверждал: «В момент, когда BACH появляется в противосложении, композитор умер».

Среди других композиций, где Бах использовал монограмму своей фамилии, канонические вариации «Vom Himmel hoch da komm 'ich her» и ряд менее известных произведений, таких как симфония f-moll (BWV 795)


и последняя фуга из первой тетради ХТК. Значимым является тот факт, что мотив BACH является примером мотива креста (imaginatio crucis, chiasmus), который использовался в барочной музыкальной риторике, в страстях и других произведениях христианской тематики.
Мотив BACH на нотном стане
О существовании этого мотива знали современники Баха: о нём говорится в Musicalisches Lexikon Иоганна Готфрида Вальтера, он появляется и у сына Баха Иоганна Кристиана и ученика Баха — Иоганна Людвига Кребса. Наибольшую популярность мотив получил в XIX веке, когда музыка Баха стала предметом особого интереса музыкантов и музыковедов.

Всего насчитывается около 400 произведений 330 различных авторов, в основе которых лежит мотив BACH. Самые известные из них:

1845: Роберт Шуман: 6 фуг на имя: Bach для органа ор. 60.
1855: Ференц Лист: Фантазия и фуга на BACH для органа (aр. 1871 для фортепиано).
1878: Николай Римский-Корсаков: Вариации BACH для фортепиано.
1900: Макс Регер: Фантазия и фуга BACH для органа.
1910: Ферруччо Бузони: Fantasia contrappuntistica для фортепиано.
1926: Арнольд Шёнберг: Вариации для оркестра op. 31.
1932: Франсис Пуленк : Вальс-импровизация на имя Bach для фортепиано.
1937: Антон Веберн: Струнный квартет (серия на основе мотива BACH).
1964: Арво Пярт: Коллаж на BACH.
1968: Альфред Шнитке: Quasi Una Sonata.
Другие композиторы тоже искали способы, чтобы увековечить свои имена и послания в нотации. Сталкиваясь с необходимостью создать монограмму на основе текста, содержащего буквы, которым нельзя поставить в соответствие ноты, композиторы пропускали их, или использовали фонетическое замещение. Например, Роберт Шуман использовал лишь S-C-H-A (E♭, C, B♮, A), чтобы подписаться своим именем в цикле фортепианных миниатюр «Карнавал». Шуман назвал «Карнавал» «миниатюрными сценами на 4-х нотах». Звуки ASCH, взятые в различной последовательности и комбинациях, образуют подобие темы, лежащей в основе каждой пьесы (ASCH — название небольшого города в Богемии (Чехия); это и «музыкальные» буквы в фамилии Schumann.).
Очень интересное и необычное посвящение использовал русский композитор Николай Мясковский в Квартете для струнных No. 3 - B♭, D, G♯, A, C, F, что равнозначно B, Re, Gis, La, Do, Fa - «берегись Лядова». Анатолий Константинович Лядов — русский композитор, дирижёр и педагог, профессор Петербургской консерватории, учитель Н.Я. Мясковского.
Ещё одна из самых известных музыкальных монограмм - D, E♭, C, B (= D, S, C, H) использовалась Дмитрием Шостаковичем (D. Schostakowitsch). Тёмный, мрачно сгущённый колорит музыки Шостаковича, написанной в миноре (иногда подобная разновидность минора описывается как «суперминор»), с точки зрения техники композиции реализуется, прежде всего, в 4-ступенных звукорядах в объёме уменьшённой кварты («гемикварты»), которая символически содержится в самой монограмме Шостаковича DSCH (es1-h в d1-es1-c1-h).
Монограмма «Дмитрий Шостакович», зашифрованная с помощью нот: D-Es-C-H (Ре—Ми-бемоль—До—Си), D — «Дмитрий», SCH — «Шостакович» (в немецкой орфографии)
Однако у Шостаковича существовала ещё одна подпись: для ритмоинтонационной стороны практически всех прелюдий, как и множества других произведений Д. Шостаковича весьма характерно частое ритмическое "постукивание" - ритмоформула "две восьмые и половинная" или "две шестнадцатые и четвертная". Без всяких теоретических мудрствований она легко ложится на имя "Митенька", а поэтому, согласно одному из предположений, в отличие от "официальной" монограммы DSCH отражает именно бытовой, интимно-дружеский облик композитора. В шостаковическом ор. 34 упомянутая ритмоформула буквально пронизывает всю прелюдию f-moll.
Личным девизом скрипача и композитора Йозефа Иоахима была фраза «Свободен, но одинок» (нем. Frei aber einsam), начальные буквы которой по-немецки — F-A-E. Ему была посвящена соната, которая так и называлась - Соната F-A-E, где начальные буквы девиза соответствуют нотам фа-ля-ми; на этой музыкальной теме и строится произведение. Это соната для скрипки и фортепиано, написанная по инициативе Роберта Шумана им самим и двумя его коллегами, Иоганнесом Брамсом и Альбертом Дитрихом. Соната была посвящена скрипачу Йозефу Иоахиму, с которым все три композитора незадолго до этого познакомились и подружились.
Существует ещё множество других подобных примеров.
Не могу не упомянуть здесь и о музыкальной криптографии, основной задачей которой является генерация шифротекста, представляющего собой приятную для слушателя последовательность звуков. Таким образом достигается эффект сокрытия наличия сообщения. Разработан алгоритм простой замены, в котором соответствие между символами исходного текста и нотами устанавливается таким образом, чтобы шифротекст удовлетворял принципам классической музыки независимо от исходного текста.
Так что музыка иногда может быть совсем "не тем, чем кажется".

Музыка – удивительный язык. Вслушайтесь в эту речь, и возможно, услышите нечто особенное и доныне неизведанное.

Источники:

https://barucaba.livejournal.com/287020.html

https://megapredmet.ru/1-40919.html

https://sirius-centers.net/books/2016/02/29/index.htm

https://sirius-centers.net/books/2015/05/02/index.htm

https://soundtimes.ru/muzykalnaya-shkatulka/o-muzyke/tajnoe-...

'

Популярное

))}
Loading...
наверх